春陽会誕生100年 それぞれの闘い、岡鹿之助、長谷川潔、岸田劉生・・・孤高の藝術家、静謐な空間、時の旅人

孤高の藝術家、岡鹿之助は何を探求したのか。海の町、古城、窓と花。静謐な空間、黄昏の色調を帯びた建築、郷愁を感じさせる世界。献花は、亡くなった人に捧げられた絵画である。失われた時の旅人。世界の果て、魂の宇宙に、美を実現することを、探求する精神。

長谷川潔の版画は、日夏耿之介『転身の頌』光風館書店大正6年、『黒衣聖母』、を飾った。耽美派詩人の世界、失われた世界への旅。

庭に樫の大樹が枝を広げ、竹林が笹の葉擦れの潮騒、金色の玉虫が庭に落下し、母の愛犬トイプードルが庭を散歩する。朝夕、愛犬が吠える。部屋の南隅にギリシア語『エウリピデス』のページが翻る。

*大久保正雄『旅する哲学者　美への旅』より

大久保正雄『永遠を旅する哲学者　イデアへの旅』

――

岡鹿之助（1889-1978）孤高の藝術家、静謐な空間　89歳で死す。

岡鹿之助、父、劇評家・岡鬼太郎。1919年、東京美術学校入学、岡田三郎助の指導を受け24年卒業、1924年、渡仏、渡仏後、藤田嗣治の指導を受ける。1926年6月から3か月、トレガステルに滞在する。同地で描いた《信号台》1926年、等4点が、1926年サロン・ドートンヌで入選。ブルターニュでの制作は、それまで学んだアカデミックな作風を変え、新しい作風の契機となる。海街で描き魚釣りする。1939年まで15年間パリ滞在【独自の顔料・技法を研究】ボナール・マルケらと交流。39年帰国。1940年、春陽会会員に推挙。1960年，フランスに3年滞在。1969，日本芸術院会員、1972、文化勲章。《段丘》1978年、絶筆、死去。

――

長谷川潔（1891-1980）深遠な精神世界　89歳で死す。

長谷川潔（1891-1980）は、1911年，黒田清輝に素描を習い、1912年、本郷洋画研究で岡田三郎助、藤島武二に油絵を習った。岡田三郎助とバーナード・リーチに銅版画の手ほどきを受ける。1912年に版画の制作を始めた。長谷川潔は、1913年、日夏耿之介と西條八十が創刊した『聖杯』に版画を寄稿。日本を去る1918年まで文芸同人雑誌『仮面』の版画家として活動。渡仏して第二次世界大戦が始まるまで創作活動。長谷川は、南仏の風景や神話に登場するヴィーナスのような女性像、机上の静物などを描きながら、独自の表現を確立。《思想の生れる時》 1925年 ドライポイント、《仏訳『竹取物語』挿絵》 1934（1933）年 エングレーヴィング。メゾチント（マニエール・ノワール）という版画の古典技法を研究し、現代版画の技法としてよみがえらせる。【長谷川の転機】第二次世界大戦中、見慣れた一本の樹が不意に人間と同等に見えるようになり「自分の絵は変わった」。日常に潜む神秘を表現する。長谷川は50年代末から60年代末まで、細粒な点刻で下地をつくり、漆黒のなかからモティーフを浮かび上がらせる「メゾチント」による静物画を多数制作した。《コップに挿した枯れた野花》1950年 エングレーヴィング、《アカリョムの前の草花（草花とアカリョム）》1969年 メゾチント。オブジェや草花、小鳥など、深遠な精神世界を探求。サロン・ドートンヌやフランス画家・版画家協会に所属してパリ画壇で高く評価され、1935年レジオンドヌール勲章受章、1966年フランス文化勲章受章、1967年勲三等瑞宝章受章を授与された。パリを拠点に活躍した銅版画家。89歳で死す。

――

岸田劉生（1891-1929）内なる美、東洋の美　38歳で死す。

「内なる美」岸田劉生は写実を追求した芸術家であるが、写実を通して対象物がもつ「存在の神秘性」を引き出すことを狙って描かれている。「深く写実を追求すると不思議なイメーヂに達する。それは『神秘』である」（『劉生画集及芸術観』1920年）

岸田劉生は、対象物をリアルに再現するだけではなく自身の内面から呼び起こされた「内なる美」をその作品に投影している。

写実を極めた岸田劉生は、次第に東洋の美術に惹かれるようになっていきました。岸田劉生は東洋の美術が持つ独特の美を「卑近美」という言葉で表現しています。「東洋の美は、倫理的感銘が欠けているのではない。ただ、その露骨性を避けられているのである。匿くされているのである。東洋のものの渋さがそこにある。東洋のものは、一皮剝ぐと、そこに深さ、無限さ、神秘さ、厳粛さ、そういうものがある。」（『純正美術』第2巻第3号、1922年）岸田劉生は、初期肉筆浮世絵や中国の古典絵画に魅力を感じ、東洋美術の独特の美を自らの作品に落とし込むことに成功した。

岸田劉生は1891（明治24）年、東京銀座に岸田家の第9子（4男）として生を受けた。岸田劉生は、楽善堂（らくぜんどう）という大きな薬屋を営んでいた父親の岸田吟香（きしだぎんこう）のもとで、裕福な家庭に育つ。1908年、白馬会洋画研究所に入り、1910、第4回文展入選。2012年、ヒュウザン会結成に参加【第2の誕生】1912（明治44）年、21歳のころに岸田劉生はゴッホやゴーギャンに代表されるポスト印象主義に出会った、「絵の中に自分の内面を表現する」「自分が描きたいように描く」という表現スタイルがあることに気が付き衝撃を受ける。【北方ルネサンス】草土社結成。1913（大正2）年、岸田劉生は結婚し、清貧のうちに代々木に居を移す。この頃、肖像画を描くことに熱中し「岸田の首狩り」「千人斬り」などとも呼ばれた。デューラーやファン・エイクを代表とする「北方ルネサンス」の絵画に出会い、その細密に描きこまれた写実的な作品に引き込まれる。1916（大正5）年の夏、岸田劉生は体調を崩して肺結核と診断を受け、翌年、転地療養を兼ねて神奈川県の鵠沼へ転居、6年半を過ごした。1921（大正10）年より、妻・蓁からのすすめで歌舞伎や文楽を観劇。【東洋美術への傾倒】1923（大正12）年、関東大震災によって家屋が半壊したため、劉生一家は京都へ引っ越し。京都で2年半ほど過ごしたのち、劉生一家は1926（大正15）年に神奈川県の鎌倉町に転居。その2週間後には長男の鶴之助が生まれた。1929（昭和4）年、岸田劉生は南満州鉄道会社の招待で大連に赴き。帰国後、慢性腎炎に胃潰瘍を併発、絶筆の『銀屏風』を描いた20日後に息を引き取った。

岸田劉生の娘麗子は、2018年、5歳から16歳までの間に何度も作品のモデルをつとめた。「麗子像」のなかでも人気があるのが、東洋美術に惹かれ始めた頃に描かれた『麗子微笑（青果持テル）』（1921年）東京国立博物館所蔵。

*大久保正雄『旅する哲学者　美への旅』より

大久保正雄『永遠を旅する哲学者　イデアへの旅』

――
【上智と下愚とは移らず】最上の知者は悪い境遇にあっても堕落せず、最下の愚者は、どんなによい境遇にあっても向上しない。《「論語」陽貨》【どんなに地位、名誉、職業が高くても、智慧と慈悲がなければ生きる価値がない】最下の愚者は、向上しない。【最高権力者が最下愚の国】最上の知者は悪い境遇にあっても戦う。
【師を選ぶ、学ぶことは重要だが、最も重要なのは先生の質である】【先生を選ぶ】師が優れているか否かが最も重要な要素である【学びの違い】学校、大学では先生を選べない【先生が持っている地図の大きさ】【先生が持つ基礎認知力、先生が持っている体系】空海は、大学寮明経科に入学したが退学、山林修行の旅に出る『聾瞽指帰』
【千里の馬は常に有れども、伯楽は常には有らず】一日に千里も走ることのできる名馬は常に存在するが、それを見いだす伯楽は常に存在しない。世の中に有能な人はたくさんいるが、その才能を見いだせる人物は少ない。いつの時代でも有能な人材はいるが、才能を見抜く名人はいない。韓愈『雑説』
*大久保正雄『旅する哲学者　美への旅』より
大久保正雄『永遠を旅する哲学者　イデアへの旅』
――
展示作品の一部
岸田劉生《麗子弾絃図》1923年、京都国立近代美術館
岡鹿之助《魚》1939年、横須賀美術館
岡鹿之助《窓》1949年、愛知県美術館
岡鹿之助《測候所》1951年、静岡県立美術館
岡鹿之助《山麓》1957年、京都国立近代美術館
岡鹿之助《段丘》1978年、個人蔵、群馬県立近代美術館寄託
岡鹿之助《群落》1962年、東京国立近代美術館
長谷川潔《アレキサンドル三世橋とフランスの飛行船》1930年、碧南市藤井達吉現代美術館
――
参考文献
憧憬の地　ブルターニュ・・・最果ての地と画家たち
https://bit.ly/3ZkZsX8
「岡鹿之助展」ブリヂストン美術館・・・昼餐の対話、海と廃墟と古城
http://mediterranean.cocolog-nifty.com/blog/2008/06/post_e8e2.html
甲斐荘楠音の全貌・・・退廃の美薫る、謎多き画家、東映京都の時代考証家、趣味人、レオナルドの面影
http://mediterranean.cocolog-nifty.com/blog/2023/07/post-6cb36a.html
長谷川潔 1891-1980展 ― 日常にひそむ神秘 - 町田市立国際版画美術館
https://www.artpr.jp/hanga-museum/hasegawa1891-1980
孤高の画家、岸田劉生の魅力とは。銀座、鈴木美術画廊
春陽会誕生100年 それぞれの闘い、岡鹿之助、長谷川潔、岸田劉生・・・孤高の藝術家、静謐な空間、時の旅人
http://mediterranean.cocolog-nifty.com/blog/2023/11/post-4d7b04.html
――
展覧会概要
春陽会は1923年に第1回展が開催された、現在も活発に活動を続ける美術団体です。民間最大の美術団体だった日本美術院の洋画部を脱退した画家たちで構成された創立会員を中心に、新進気鋭の画家たちが加わり新団体「春陽会」を結成しました。
彼らは同じ芸術主義をもつ画家たちの集団であろうとはせず、それぞれの画家たちの個性を尊重する「各人主義」が大事であると考えました。また、春陽会の展覧会には油彩だけではなく、版画、水墨画、さらには新聞挿絵の原画などが形式にとらわれずに出品されました。そして、春陽会では画家たちが互いの作品を批評しながら芸術のために研鑽を積み、次世代育成をも念頭に基盤を固めていったのです。
出品作品のなかに、自らの内面にある風土（土着）的なもの、日本的ないしは東洋的なものを表現しようとする傾向が早くからみられたことは、注目すべき点でしょう。
すでに知名度のある花形の画家たちにより組織され、帝国美術院、二科会に拮抗する第3の洋画団体として誕生した春陽会。本展は、その創立から1950年代までの葛藤に満ちた展開を100点以上の作品で辿ろうとするものです。
春陽会創立メンバー
創立会員：足立源一郎、梅原龍三郎、倉田白羊、小杉未醒（放菴）、長谷川昇、森田恒友、山本鼎　　創立客員：石井鶴三、今関啓司、岸田劉生、木村荘八、椿貞雄、中川一政、山崎省三、萬鐵五郎
プレスリリース　https://www.artpr.jp/tsg/shunyokai100
――
春陽会誕生100年 それぞれの闘い 岸田劉生、中川一政から岡鹿之助へ、東京ステーションギャラリー、9月16日(土)～11月12日

キュビスム展─美の革命 ピカソ、ブラックからドローネー、シャガールへ・・・美の根拠はどこにある

大久保正雄『旅する哲学者　美への旅』第344回
美の革命というが、美の根拠はどこにあるのか。抽象絵画の起源は、キュビスムとフォーヴィスムから始まる。と美術史家は言う。
キュビスム絵画で最も有名な作品は何か。キュビスムのピカソ『アヴィニョンの娘たち』1907『マンドリンを持つ少女』1909-1910年、ジョルジュ・ブラック、ポール・セザンヌ『リンゴとオレンジ』1899 オルセー美術館.から始まる。ピカソ『泣く女』1937，『アルジェの女』1955、はキュビスム以後の展開とされる。
【キュビスム1907-1914】
キュビスム（１）複数の視点から見た物の形を、一つの画面に表す（２）物の形を、立方体、球、円筒、円錐、など幾何学的な形にする。セザンヌ。
古典的技法を用いた「青の時代」などを経て、新しい表現を求めていたピカソは1907年に訪れたパリの民族誌博物館でアフリカやオセアニアの造形物と出合う。表現に衝撃を受け、描き上げたのがセザンヌの水浴図にもヒントを得た《アヴィニョンの娘たち》（1907、ニューヨーク近代美術館蔵）。
「自然を円筒形と球形、円錐形によって扱う」と言うセザンヌ。セザンヌの単純化された幾何学形を積みかさねる品群は、パリの批評家から「すべてをキューブ（立方体）に還元している」と批判され「キュビスム」の名称で呼ばれる。
ピカソによる《アヴィニョンの娘たち》の習作の女性像と、ジョルジュ・ブラック《大きな裸婦》（1907冬ー1908・6月）、マリー・ローランサン《アポリネールとその友人たち（第2ヴァージョン）》（1909）。マリー・ローランサンが恋人の詩人ギヨーム・アポリネールとピカソらを描いた作品。アポリネールは、非難を浴びたキュビスムを「芸術の大革命」と呼んで擁護。
――
「芸術家アトリエ『ラ・リュッシュ』」「東欧からきたパリの芸術家たち」
ブランクーシやモディリアーニが住んだモンパルナスの集合アトリエ『ラ・リュッシュ』(蜂の巣)は、キュビスムが浸透した場のひとつで、ロシア（現ベラルーシ）出身のマルク・シャガールも住人である。パリ移住後まもなく描いた《婚礼》は、幾何学形を取り入れた画面構成とドローネー風の鮮やかな色彩が目を引く。故郷のユダヤ系風物を追慕したシャガールは、キュビスムの影響も受け、現実と幻想が入り混じる独自の作風を成熟させる。
マルク・シャガール（Marc Chagall, 1887-1985）ロシア出身のユダヤ系の画家で、存命中から現在に至るまで、世界中で高い人気と誇る。1887年、マルク・シャガールは帝政ロシアの一部であった現ベラルーシ共和国のヴィテブスクのユダヤ人街に生まれた。この地域はドイツ語、ヘブライ語、スラブ系言語の混合言語であるイディシュ語を話す人々によって形成された地域で独特の文化をを築いていた。そんな中で育ったシャガールはヴィテブスク特有の風土や文化の影響を受け、シャガールの精神形成に大きな役割を果たした。
1910年、シャガールはパリに到着する。パリのモンパルナスに住み着いた彼はモディリアーニやスーチン、パスキンなど後のエコール・ド・パリの巨匠たちと交流を結びサロン・ドートンヌやアンデパンダン展などに出品を続け次第にその評価を高めていった。97歳で死す。
【キュビスム以後、アメデ・オザンファンとル・コルビュジエが提唱した芸術運動「ピュリスム（純粋主義）」】
キュビスムは、1914年の第一次世界大戦勃発とともに収束へ向かった。ブラックやレジェ、グレーズらは前線に送られ、銃後のピカソは写実的な「新古典主義の時代」へ移行した。
第一次大戦後、アメデ・オザンファンとル・コルビュジエが提唱した芸術運動「ピュリスム（純粋主義）」。ふたりは、工業化社会を前提として秩序立った普遍的な「機械の美学」を唱え、キュビスムを乗り越えようとした。
――
【美の根拠はどこにあるのか】思想が美しいということは、美の根拠である。
【美しい詩の根拠】①内容が深い、②映像が鮮烈、③連想イメージの豊饒、④余韻が深い、⑤思想が高い、高い知性、⑥物語が深い、⑦容姿が美しい。ウィリアム・ブレイク『毒のある木』、宮澤賢治『インドラの網』、藤原定家「夢の浮橋」、プラトン『饗宴』、空海『三教指帰』序文
藤原定家『定家十体』藤原定家著と伝えられる。1213年以前に成立か。和歌を幽玄様・有心様などの一〇体に分類し、例歌を示す。幽玄様　長高様　有心様　事可然様　麗様　見様　面白様　濃様　有一節様　拉鬼様。
『毎月抄』藤原定家、承久元年（1219）中心は、和歌を十体(じってい)に分けて説き、その中心として「有心体(うしんてい)」をたてた点であるが、それは十体の一つであるとともに十体のすべてにもわたるとする。「有心」として説くのは作歌にあたっての観想の深さで、それが表現上に表れていることである。理想的な完成態は「秀逸体」として十体とは別に説かれる。藤平春男。そのほか心詞・花実の論，秀逸体論，本歌取りの技巧，題詠の方法，歌病，詠歌態度などについて説く。
【無心の境地】思想の中に、藝術の中に、美を発見するとき、学問僧は無心の境地になる。思想の書を書き、洗練していくことに没頭するとき、無心の境地に至ることができる。密教の三密、身密、口密、意蜜、の修行に没頭するとき、無心の境地に至る。大谷翔平の技を支える業は、修行僧のようである。秘密の身・口・意の三業。すなわち、仏の身体と言語と心によってなされる不思議なはたらき。また、密教の行者が手に契印を結ぶ身密、口に真言を唱える口密、心に大日如来を観ずる意密。三密加持すれば速疾に顕わる『即身成仏義』（823-824頃）
*大久保正雄『旅する哲学者　美への旅』より
大久保正雄『永遠を旅する哲学者　イデアへの旅』
――
展示作品の一部
ジョルジュ・ブラック《レスタックの道》（1908）、ブラック《レスタックのテラス》（1908夏）、ブラック《レスタックの高架橋》（1908初頭）
ジョルジュ・ブラック《ヴァイオリンのある静物》（1911・11月）、同《円卓》（1911秋）
フェルナン・レジェ《婚礼》 1911-1912年
油彩・カンヴァス／257 x 206 cm ／ポンピドゥーセンター（1937年寄贈）
Centre Pompidou, Paris, Musée national d’art moderne – Centre de création industrielle
 Centre Pompidou, MNAM-CCI/Philippe Migeat/Dist. RMN-GP
コンスタンティン・ブランクーシ《眠れるミューズ》 1910年
ブロンズ／16 x 27.3 x 18.5 cm ／ポンピドゥーセンター（1963年寄贈）
Centre Pompidou, Paris, Musée national d’art moderne – Centre de création industrielle
 Centre Pompidou, MNAM-CCI/Adam Rzepka/Dist. RMN-GP
アメデオ・モディリアーニ《女性の頭部》（1912）
マルク・シャガール《ロシアとロバとその他のものに》（1911）、同《婚礼》（1911-1912）
――
参考文献
ピカソとその時代・・・藝術の探検家、7人の恋人、7つの時代
https://bit.ly/3D8mYir
ABSTRACTION　抽象絵画の覚醒と展開　セザンヌ、フォーヴィスム、キュビスムから現代へ
http://mediterranean.cocolog-nifty.com/blog/2023/06/post-00e373.html
キュビスム展─美の革命 ピカソ、ブラックからドローネー、シャガールへ・・・美の根拠はどこにある
http://mediterranean.cocolog-nifty.com/blog/2023/10/post-8e9885.html
――
20世紀初頭、パブロ・ピカソとジョルジュ・ブラックという2人の芸術家によって生み出されたキュビスムは、西洋美術の歴史にかつてないほど大きな変革をもたらしました。その名称は、1908年にブラックの風景画が「キューブ（立方体）」と評されたことに由来します。
西洋絵画の伝統的な技法であった遠近法や陰影法による空間表現から脱却し、幾何学的な形によって画面を構成する試みは、絵画を現実の再現とみなすルネサンス以来の常識から画家たちを解放しました。また絵画や彫刻の表現を根本から変えることによって、抽象芸術やダダ、シュルレアリスムへといたる道も開きます。慣習的な美に果敢に挑み、視覚表現に新たな可能性を開いたキュビスムは、パリに集う若い芸術家たちに大きな衝撃を与えました。そして、装飾・デザインや建築、舞台美術を含む様々な分野で瞬く間に世界中に広まり、それ以後の芸術の多様な展開に決定的な影響を及ぼしています。
本展では、世界屈指の近現代美術コレクションを誇るパリのポンピドゥーセンターの所蔵品から、キュビスムの歴史を語る上で欠くことのできない貴重な作品が多数来日し、そのうち50点以上が日本初出品となります。20世紀美術の真の出発点となったキュビスムの豊かな展開とダイナミズムを、主要作家約40人による絵画を中心に、彫刻、素描、版画、映像、資料など約140点を通して紹介します。日本でキュビスムを正面から取り上げる本格的な展覧会はおよそ50年ぶりです。
https://www.nmwa.go.jp/jp/exhibitions/2023cubisme.html
――
キュビスム展─美の革命 ピカソ、ブラックからドローネー、シャガールへ、国立西洋美術館、10月3日(火)～2024年1月28日(日)

マティス展・・・南仏の光《豪奢、静寂、逸楽》、色彩と線への旅

大久保正雄『旅する哲学者　美への旅』第338回
20世紀美術を代表する画家の一人、アンリ・マティス［1869～1954］、フォーヴィスム（野獣派）で有名だが、生涯、色彩と線への旅をつづけ、84歳で死す。
裕福な家庭に生まれ、法律家の道を歩んでいたマティス。画家を志したのは21歳のとき、病気で療養中だった彼に母親が絵具箱を贈ったことがきっかけである。法律の学位を得て代訴人の仕事をしていたマティスは、23歳でギュスターヴ・モローの弟子となる。
美術学校や画家のもとで教えを受け、ルーヴル美術館で古典作品の模写をし技術を磨いていったマティスは、次第に自分自身の表現を探求する。
《豪奢、静寂、逸楽》1904年、35歳
《豪奢、静寂、逸楽》は、ポール・シニャックの招きで南仏に赴いたマティスがパリで仕上げた実験的作品、新印象派の筆触分割（絵具を混ぜず直接筆で）に実験的に取り組んだマティス転換期の重要作品。色彩と線描の衝突というテーマをそのまま残す作品となる。
フォーヴィスム（野獣派）「豪奢１（Luxe）」1907年
本作品が制作された当時、マティスは「野獣派」と呼ばれ、常に批判と称賛が紙一重だった。荒々しい筆遣いと鮮やかな色彩が特徴的な作品がサロンに出品されると、批評家によって「フォーヴィスム（野獣派）」の画家と呼ばれるようになる。美術界に確かな地位を築きつつ、マティスはさらなる進化を続ける。
窓、部屋の中と外の世界とをつなぐ
生涯にわたり室内のアトリエを創作の場としたマティスにとって、窓は部屋の中と外の世界とをつなぐ重要なモティーフ。金魚もマティスが繰り返し描いたモティーフで、《金魚鉢のある室内》1914年、で窓際に置かれた金魚鉢が内と外の世界を映り、小宇宙のような空間を生み出す。生前には公開されなかった《コリウールのフランス窓》。黒く塗りつぶされた部分は当初、外の眺めが描かれていた。第一次世界大戦勃発直後に描かれた。
第一次世界大戦が終わりニースへ、南仏の光　1921年
拠点を移したマティスは、南仏の光の中で精力的な創作活動を展開。多数描かれた「オダリスク」もこの時期に取り組んだ、《赤いキュロットのオダリスク》1921年はその皮切りとなった作品。旅先のモロッコで仕入れた布に、手作りのアクセサリーや衣装。マティスの装飾へのこだわり。マティスが色と同じく大事にした、線の表現。デッサンは「自分の中に芽生えた創作の気持ちを観る人の心にダイレクトに伝えることができる方法」。
マティス60代で出会ったリディア・ディクトルスカヤ1935
《夢》1935以降モデルとして彼のミューズとなったリディア・ディクトルスカヤ。その後マティスが亡くなるまでの20年間、リディアはそばで彼を支え続ける。
《座るバラ色の裸婦》は少なくとも13回描き直されていて、リディアの顔がだんだん抽象的に、そして最終的には線姿。マティスは鑑賞者の想像力をつぶすすべての制限から作品を解放した。
第二次世界大戦が勃発、ヴァンスへ1941
多くの芸術家が国外へ逃げる中、齢70近かったマティスは国を離れることを断念。同時 期に十二指腸癌を患い大手術を受ける。その後、空爆を避けニースからヴァンスに移ったマティスが最後の油絵連作として取り組んだ「ヴァンス室内画」シリーズ。《黄色と青の室内》はその第1作。奥行のない不思議な画面構成なのに、調和した空間。シリーズ最終作《赤の大きな室内》1948。直角で隣り合うふたつの壁、その角を表す黒線はベンチの背までで切れている。
切り紙絵、色彩と線描1947
一日の大半をベッドで過ごすようになりカンヴァスに向かうことが難しくなったマティスは、絵筆をはさみに持ち替え、切り紙絵を創作するようになる。色彩と線描(ドローイング)の対立をどう超えるか。色彩と線描(ドローイング)という造形作業が同時にできる切り紙絵は、マティスにとって到達点ともいえる表現方法。
《イカロス(版画シリーズ「ジャズ」)》1947年
ヴァンス・ロザリオ礼拝堂1951
展覧会の最後はマティス最晩年の作品、ヴァンス・ロザリオ礼拝堂。建物の設計、装飾、什器、祭服や典礼用品に至るまでを手がけた総合芸術作品、マティスの集大成。マティスはこれを「運命によって選ばれた仕事」として、光、色、線が一堂に会する静謐な空間を創りあげた。
《豪奢、静寂、逸楽》の優雅な生活
マティスは「精神安定剤のような、肉体の疲れを癒す、良い肘掛け椅子のような存在」を芸術の理想としていた。戦争で息子を徴兵され、大病を患い、人生には辛い事もあった。それでも画中に苦しみを持ち込まず、調和に満ちた作品を創作し続けた。
自分が感じた深い感動に対する繊細な感覚、芸術を探求する精神。マティスは20世紀初頭の絵画運動であるフォーヴィスム（野獣派）の中心的な存在として活動した後、84歳で亡くなるまでの生涯を、感覚に直接訴えかけるような鮮やかな色彩と形の探求に捧げた。
マティスの理想の境地は、南フランスの《豪奢、静寂、逸楽》の優雅な生活であり、50年間《豪奢、静寂、逸楽》であり続けることは幸せである。
――
展示作品の一部
アンリ・マティス 《豪奢、静寂、逸楽》 1904年 ポンピドゥー・センター／国立近代美術館Centre Pompidou, Paris, Musée national d’art moderne-Centre de création industrielle
「豪奢１（Luxe）」1907年、本作品が制作された当時、マティスは「野獣派」と呼ばれ、常に批判と称賛が紙一重だった。西欧の伝統的な主題「浴女」を描いているが、アフリカ彫刻を思わせる単純で幾何学的な人物の形態は、当時の批評家の反感を買った。マティスは「異境的」な文明に、新たな芸術へのインスピレーションを求めた
《金魚鉢のある室内》1914年　ポンピドゥー・センター／国立近代美術館
《赤いキュロットのオダリスク》1921年　ポンピドゥー・センター／国立近代美術館
《ニースの室内、シエスタ》 1922年　ポンピドゥー・センター／国立近代美術館
《マグノリアのある静物》1941年　ポンピドゥー・センター／国立近代美術館
マティスが78歳から手がけ始めた最後の絵画連作「ヴァンス室内画群」シリーズ
《黄色と青の室内》1946年　ポンピドゥー・センター／国立近代美術館
《イカロス(版画シリーズ「ジャズ」より)》1947年　ポショワール／アルシュ・ヴェラン紙　ポンピドゥー・センター／国立近代美術館
マティス最後の油彩画 《赤の大きな室内》 1948年 ポンピドゥー・センター／国立近代美術館Centre Pompidou, Paris, Musée national d’art moderne-Centre de création industrielle
――
参考文献
ピカソとその時代・・・藝術の探検家、7人の恋人、7つの時代
https://bit.ly/3D8mYir
ABSTRACTION　抽象絵画の覚醒と展開　セザンヌ、フォーヴィスム、キュビスムから現代へ
http://mediterranean.cocolog-nifty.com/blog/2023/06/post-00e373.html
マティス展・・・南仏の光《豪奢、静寂、逸楽》、色彩と線への旅
http://mediterranean.cocolog-nifty.com/blog/2023/08/post-c2781f.html
――
20世紀を代表するフランスの巨匠、アンリ・マティス（1869-1954年）。強烈な色彩によって美術史に大きな影響を与えたフォーヴィスム（野獣派）の中心的な存在として活動したのち、絵画の革新者として、84歳で亡くなるまでの生涯を、感覚に直接訴えかけるような鮮やかな色彩とかたちの探求に捧げました。彼が残した仕事は、今なお色あせることなく私たちを魅了し、後世の芸術家たちにも大きな影響を与え続けています。
世界最大規模のマティス・コレクションを所蔵するパリのポンピドゥー・センターの全面的な協力を得て開催する本展は、日本では約20年ぶりの大規模な回顧展です。絵画に加えて、彫刻、素描、版画、切り紙絵、晩年の最大の傑作と言われる南仏ヴァンスのロザリオ礼拝堂に関する資料まで、各時代の代表的な作品によって多角的にその仕事を紹介しながら、豊かな光と色に満ちた巨匠の造形的な冒険を辿ります。
https://www.tobikan.jp/exhibition/2023_matisse.html
――
マチス展、東京都美術館、2023年4月27日～8月20日
2024年2月14日から5月27日まで

ABSTRACTION 抽象絵画の覚醒と展開 セザンヌ、フォーヴィスム、キュビスムから現代へ

大久保正雄『旅する哲学者　美への旅』第333回

抽象絵画の起源は、キュビスムとフォーヴィスム、から始まる。と美術史家は言う。

鍵岡リグレ・アンヌ(1987-)、さんに「何を表現しているのですか」と問うた。「Reflection」2023。

抽象絵画で最も有名な作品は何か。キュビスムのピカソ『アヴィニョンの娘たち』1907『マンドリンを持つ少女』1909-1910年、ジョルジュ・ブラック、ポール・セザンヌ『リンゴとオレンジ』1899 オルセー美術館.から始まる。ピカソ『泣く女』1937，『アルジェの女』1955、はキュビスムではないらしい。

フォーヴィスムは、アンリ・マティス『豪奢』1907『帽子の女』1905、アンドレ・ドラン、モーリス・ド・ヴラマンクから始まる。

ルネサンスの遠近法、立体透視図法、などを否定して、キュビスムの多視点・幾何学化する方法はどこがよいのか。

フォーヴィスムの原色を多用した強烈な色彩、粗々しい筆使い、どこがよいのか。

*大久保正雄『旅する哲学者　美への旅』より

大久保正雄『永遠を旅する哲学者　イデアへの旅』

――

キュビスムは、「パブロ・ピカソ」と「ジョルジュ・ブラック」によって提唱された絵画表現。どのような絵画表現か、（１）複数の視点から見た物の形を、一つの画面に表す（２）物の形を、立方体、球、円筒、円錐、など幾何学的な形にする。

キュビスムの作品は、ピカソ『アヴィニョンの娘たち』1907『マンドリンを持つ少女』、ポール・セザンヌ『リンゴとオレンジ』。セザンヌは、自然を幾何学化することにより、対象の立体感や、存在感、空間を強調することを試み。キュビスムは、多視点・幾何学化を魅力的な表現（調和した魅力的な構成、物の存在を強調する）の手段としてではなく、多視点・幾何学化するという手段自体が目的。

フォーヴィスムは、20世紀初頭のフランスで発生した前衛運動。1905年、パリの第二回サロン・ドートンヌ展に出品した画家たち、アンリ・マティス『豪奢』1907『帽子の女』、アンドレ・ドラン、モーリス・ド・ヴラマンク。批評家のルイ・ヴォークセルが、その原色を多用した強烈な色彩、また粗々しい筆使いに驚き、「この彫像の清らかさは、乱痴気騒ぎのような純粋色のさなかにあってひとつの驚きである。野獣（フォーヴ）たちに囲まれたドナテロ！」と叫んだ。

――

展示作品の一部

フランティセック・クプカ《赤い背景のエチュード》1919年頃　石橋財団アーティゾン美術館【新収蔵作品】

ヴァシリー・カンディンスキー《「E.R.キャンベルのための壁画No.4」の習作（カーニバル・冬）》1914年　宮城県美術館

――

モーリス・ド・ヴラマンク《色彩のシンフォニー（花）》1905-06 年頃 石橋財団アーティゾン美術館【新収蔵作品】

© ADAGP, Paris & JASPAR, Tokyo,2023 C4125

ジョージア・オキーフ《オータム・リーフⅡ》1927年　石橋財団アーティゾン美術館【新収蔵作品】© 2023 The Georgia O’Keeffe Foundation/ ARS, New York/ JASPAR,Tokyo C4125

ウィレム・デ・クーニング《一月》1947-48年　石橋財団アーティゾン美術館【新収蔵作品】© 2023 The Willem de Kooning Foundation, New York/ ARS, New York/ JASPAR, Tokyo C4125

ジャン・デュビュッフェ《ピエール・マティスの暗い肖像》1947年　ポンピドゥー・センター、パリ　国立近代美術館／産業創造センター © ADAGP, Paris & JASPAR, Tokyo 2023 C4125　Photo ©Centre Pompidou, MNAM-CCI, Dist.RMN-Grand Palais / Philippe Migeat / distributed by AMF

鍵岡リグレ・アンヌ(1987-)、Reflection　2023

――

参考文献

ピカソとその時代・・・藝術の探検家、7人の恋人、7つの時代

https://bit.ly/3D8mYir

ABSTRACTION　抽象絵画の覚醒と展開　セザンヌ、フォーヴィスム、キュビスムから現代へ
http://mediterranean.cocolog-nifty.com/blog/2023/06/post-00e373.html

――

ABSTRACTION　抽象絵画の覚醒と展開　セザンヌ、フォーヴィスム、キュビスムから現代へ、アーティゾン美術館、2023年6月3日~8月20日

https://www.artizon.museum/exhibition/detail/557

マリー・ローランサンとモード・・・ココ・シャネル、1920狂乱のパリ、カール・ラガーフェルド

大久保正雄『旅する哲学者　美への旅』第316回

事業家として成功する藝術家、ファッション・デザイナー。事業家、欲望を管理するデザイナー。成功の秘訣は何か。

【マリー・ローランサン、パブロ・ピカソの紹介で詩人ギヨーム・アポリネールと出会い恋人となる(1907年~1912年)。集合アトリエ洗濯船に出入りする。キュビスムとアンリ・ルソーに傾倒する。『ギヨーム・アポリネールと友人たち』。1914年にドイツ人男爵と結婚、ドイツ国籍、第一次世界大戦がはじまるとフランス国外への亡命、パリに戻ってくる、1921年の個展で成功を収め、1956年73歳で死す。

【19世紀末】アール・ヌーヴォー、エミール・ガレとドーム兄弟1889～1900年。1892年、ヴォーグ創刊、アメリカ。1883年、ガブリエル・シャネル、生まれる。

【20世紀】第1次大戦(1914年7月~1918年11月)、1918年スペイン風邪感染爆発(1918年（大正7年）~1920年)、1925年アールデコ博覧会、1929年世界大恐慌。1930年代、ファシズム抬頭。スペイン風邪死亡者数は、世界全体で2,000万人から4,500万人

【ココ・シャネル、帽子デザイナー】1909年にパリのマルゼルブ大通り160番地で帽子を売り始め、過剰な装飾を取り払ったデザインで評判を呼びました。1910年にパリのカンポン通り21番地に「シャネル・モード」を開店。1920年代、ココ・シャネルのリトル・ブラック・ドレス。1921年、シャネルNo5、発売。1926年、シャネル「リトル・ブラック・ドレス」。1971年88歳で死す。

【事業家、シャネル、マリー・ローランサン】事業家として成功。画家、流行を作る。成功するファッション・デザイナー。成功の秘訣は何か。

【群れない人】自分が何を欲しいかが分かっている。他人にどう思われようが気にしない。他人にない強みを持っている。世間に流されない。自分の価値観と同じ人とだけつき合う。心を許す人とだけつき合う。レヴェル高い友人が何人いるか。事実、事例は言葉より強い。【自走できるチーム】モチベーション、やりたい意欲。ルーティン、仕事の習慣。業務の流れ。能力。ツール。方法論をもって問題解決。【烏合の衆】群れる。付和雷同。価値なし。世間に流される。

*大久保正雄『旅する哲学者　美への旅』より

大久保正雄『永遠を旅する哲学者　イデアへの旅』

――

展示作品の一部

マリー・ローランサン「ニコル・グルーと二人の娘」1922

マリー・ローランサン「わたしの肖像」1924

マリー・ローランサン「マドモアゼル・シャネルの肖像」1923

マン・レイ「ココ・シャネル」1955

――

参考文献

「マリー・ローランサンとモード」図録2023

ウィーン・モダン　クリムト、シーレ 世紀末への道、国立新美術館・・・装飾に覆われた運命の女、黄金様式と象徴派

https://bit.ly/2QbsUwT

「クリムト展　ウィーンと日本 1900」・・・黄金の甲冑で武装した騎士、詩の女神に出会う、純粋な愛と理想

https://bit.ly/2ZM5pyR

マリー・ローランサンとモード・・・ココ・シャネル、狂乱のパリ1920、カール・ラガーフェルド

https://bit.ly/3YirToj

――

ココ・シャネル（Coco Chanel）(1883年~1971)とフランスの画家 マリー・ローランサン（Marie Laurencin）(1883年~1956)

二人に焦点を当てた展覧会。作品を通して女性的な美を追求したローランサンと、男性服の素材やスポーツウェアを女性服に取り入れたシャネルの2人にフォーカス。美術とファッションの垣根を超えて活動した両氏と、ファッション・デザイナーのポール・ポワレ（Paul Poiret）やマドレーヌ・ヴィオネ（Madeleine Vionnet）、芸術家のジャン・コクトー（Jean Cocteau）、画家のマン・レイ（Man Ray）といった人々との関係に触れながら、モダンとクラシックが融合した20世紀前半のパリの芸術を振り返る。

ともに1883年に生まれ、生誕140年を迎える両氏の展覧会として、パリのオランジュリー美術館や、長野県蓼科高原や東京のホテルニューオータニ内に構えていたマリー・ローランサン美術館などの国内外のコレクションから約90点の作品をラインナップする。

――

モダンガールの変遷

1920年代、新しい女性たち、“モダンガール”が登場します。第一次世界大戦を契機とした女性の社会進出、都市に花開いた大衆文化、消費文化を背景に、短髪のヘアスタイル、ストレートなシルエットのドレスをまとった女性が街を闊歩しました。彼女たちは欧米各国に出没し、アジアまでも波及し世界的な現象となります。　こうした身体の解放や服飾の簡素化は、すでに世紀末やアール・ヌーヴォーの時代から進行していました。特に1910年代にはポール・ポワレが、コルセットから解放されたエキゾチックなスタイルを提案し、賛否両論を巻き起こします。やがて1920年代に入ると、ポワレの優雅なドレスよりもより活動的、実用的な服装が打ち出され、中でもココ・シャネルのリトル・ブラック・ドレスは時代を代表するスタイルに。さらにマドレーヌ・ヴィオネがバイアスカットを駆使したドレスで注目されるなど、他のデザイナーたちも競ってモダン・ファッションに取り組み、女性服を大きく変革しました。

世界恐慌やファシズム台頭による不安な情勢から、1930年代には復古調のロングドレスや装飾が復活します。パリ・モード界でも、シュルレアリスムに影響された装飾デザインのエルザ・スキャパレッリが時代の寵児となり、ファッション雑誌はマン・レイなど気鋭の写真家を起用して斬新な表現や躍動感ある女性像を提示しました。モダンガールもまた時代の息吹を吸って、どんどん変化していったのです。

1910年代

ポワレのファッション

ポール・ポワレは1906年に発表したハイ・ウェストのドレスによってコルセットから女性を解放したことでモードの改革者と位置づけられます。ヘレニズム（古代ギリシャ）、オリエント（中近東、日本、中国など）から影響を受けたエキゾチックな彼のファッションは、版画技法を駆使したポショワール画※が見事に表現しています。こうした革新的な手法によるイメージ戦略も相まって、ポワレは瞬く間にパリのモード界を席巻しました。
1910-1920年代
帽子ファッションの流行
ココ・シャネルは帽子デザイナーとしてそのキャリアをスタートしました。1909年にパリのマルゼルブ大通り160番地で帽子を売り始め、過剰な装飾を取り払ったデザインで評判を呼びました。続いて1910年にパリのカンポン通り21番地に「シャネル・モード」を開店すると、ホテル・リッツの裕福な客層がシャネルの帽子店を訪れるようになります。ローランサンの絵画に描かれているように、帽子は重要なファッションアイテムでした。
1920年代
モダンガールの登場
「ポワレが去り、シャネルが来る」、これはジャン・コクトーの言葉です。複雑で東洋的、演劇的な要素の多いポワレのドレスよりも、人々は短いドレスを夢見るようになります。1926年、アメリカのファッション雑誌ヴォーグで発表されたシャネル「リトル・ブラック・ドレス」はまさに新しい時代の到来を告げるものでした。ユニフォームのようなニュートラルなドレスに、ジュエリー、スカーフなど、それぞれの女性が好きなように装飾を与えることができる、まさに「新しいエレガンスの方程式」を打ち出したのです。
1930年代フェミニンへの回帰
1930年になると、復古調のロングドレスや装飾が復活します。シンプルなファッションよりも女性らしさが求められ、スカート丈は長く、女性的な曲線が好まれ、花柄などのモチーフも多く見られるようになります。ファッションの動向に呼応するように、1920年代末頃からローランサンの作品には、鮮やかな色彩が見られ、真珠や花のモチーフが多用されるように。30年代にはそれまであまり用いられなかった黄色や赤に挑戦し、色彩の幅を一層広げていきました。
https://www.bunkamura.co.jp/museum/exhibition/23_laurencin/commentary.html
――
「マリー・ローランサンとモード」、Bunkamura ザ・ミュージアム、2月14日から4月9日

諏訪敦「眼窩裏の火事」・・・亡き人の魂の召喚、生と死の狭間の対話

諏訪敦「眼窩裏の火事」・・・亡き人の魂の召喚、生と死の狭間の対話

大久保正雄『旅する哲学者　美への旅』第315回

諏訪敦氏と名刺交換したのは、2010年1月、佐藤美術館である。新進気鋭の写実画家として活躍していた。その時は、今のような方向に展開するとは想像できなかった。生と死の狭間を生きる、亡き人の召喚、亡き人の記憶を写実絵画に描く。写実絵画は、リアリズムの絵画だが、それを超える試みである。宮澤賢治、プラトン哲学、空海の密教のような試みである。

亡き人の魂の召喚　亡き人の魂との対話

宮澤賢治『銀河鉄道の夜』『雁の童子』『インドラの網』は亡き人の魂の物語、亡き人の魂の召喚である。プラトン『パイドン』『饗宴』『国家』『パイドロス』は、亡き人の魂との対話である。プラトン哲学は生と死を超える知恵の探求であり、密教真言はこの世を超える法身、魔訶毘盧遮那仏への祈りである。

――

旅する哲学者、美への旅。海を超え、砂漠を越えて、美しい人と歩く黄昏の地中海。この世の最も美しいものは何か。

在りし日の己を愛するために思い出は美しくある。遠い過去よりまだ見ぬ人生は夢を実現するためにある。運命の扉を開けるのはあなた。鍵は手のひらの上にある。

黄昏の密教寺院、大日如来、愛染明王、密教真言を唱える。

美しい夕暮れ。美しい魂に、幸運の女神が舞い降りる。美しい守護精霊が天人を救う。美しい魂は、輝く天の仕事を成し遂げる。

運命の美女が現れる。諦めずに鍛えてきたことが、次の舞台へ、運命の扉を開く。

*大久保正雄『旅する哲学者　美への旅』より

大久保正雄『永遠を旅する哲学者　イデアへの旅』

――

1，

『father』1996年は、父が死にゆく病院の姿である。父の脳裏には戦争末期、異国に残してきた祖母の姿が生きている。

『HARBIN1945WINTER』1995-96年は、父がハルビンに50年前残してきた、雪原に祖母が朽ち果てていく姿である。

『依代』2016-17年は、朽ち果てた祖母のありし日の蘇った姿である。

亡き人の召喚　亡き人の記憶を体験する

緻密な描写は写真と見紛うほど精細、生と死の狭間を行き交うイメージ、精緻に描き出された美しい女性や老齢の男女たち、この世ならぬ現実離れした印象である。

諏訪敦氏は、日本の写実絵画界の第一人者とされる画家である。写実絵画は、いかに描く対象に従順、忠実に写し出すかが使命である。諏訪敦氏が取り組んできたのは「写実性からの脱却」。絵画を制作するうえでの認識の質を追求し、写実主義の限界を越える取り組みを続けている。「基本的に美術は視覚がつかさどり、絵画は特に視覚に偏重したメディアです。ですが、誰が観ても同じと思われているものは、果たして本当に同じでしょうか？」。

2、

「眼窩裏（がんかうら）の火事」2020

18世紀に作られたワイングラスと、現代に作られたグラスとを描き分けたこの絵画には白濁した閃光が描かれている。画家が長年悩まされてきた、閃輝暗点（せんきあんてん）の症状を絵画に取り込んで描いたもの。実際には存在しない光だが、作者には見える現実が描かれている。

3、

「Mimesis」2022　亡き舞踏家の召喚　

舞踏家大野一雄は2010年に亡くなるが、パフォーマー川口隆夫の協力を得て、亡き舞踏家の召喚を試みる。

満州で病死した祖母をはじめとする家族の歴史を描いた第1章『棄民』、第2章『静物画について』、第3章『わたしたちはふたたびであう』で描かれた舞踏家・大野一雄氏の作品群のプロジェクトは、膨大な調査を要する取材過程を経て、写実絵画として制作されている。

*大久保正雄『旅する哲学者　美への旅』より

大久保正雄『永遠を旅する哲学者　イデアへの旅』

――

展示作品の一部

諏訪敦『HARBIN1945WINTER』1995-96年、広島市現代美術館蔵

『目の中の火事』2020年　白亜地パネルに油彩　27.3 × 45.5cm、東屋蔵

『Mimesis』2022年　キャンバス、パネルに油彩　259.0×162.0cm、作家蔵

『Solalis』2017年、作家蔵

『大野一雄立像』 1999 / 2022年 綿布、パネルに油彩　145.5×112cm、作家蔵

《大野一雄》2007。1200 × 1939 mm。Oil on Canvas、作家蔵

『father』1996年　パネルに油彩、テンペラ　122.6×200.0cm、佐藤美術館寄託

『依代』2016-17年　紙、パネルにミクストメディア　86.1×195.8cm、個人蔵

――

参考文献

諏訪敦「眼窩裏の火事」、府中市美術館HP

「諏訪敦、複眼リアリスト」佐藤美術館　2008

『諏訪敦作品集　Blue』2017

「芸術新潮」2023年2月号100年前のパンデミックで逝ったあの男が、いま甦る！エゴン・シーレ特集

諏訪敦さん「『画家の眼』で認識を問い直す」：KKH-BRIDGE.com-KKH-BRIDGE 文化の枠を越えるメディア

https://www.kkh-bridge.com/news/feature/20220108/AWQ136JATSU

諏訪敦「眼窩裏の火事」・・・亡き人の魂の召喚、生と死の狭間の対話

https://bit.ly/3I6MRjM

――――

諏訪敦「眼窩裏の火事」、府中市美術館

《依代》2016-17年　紙、パネルにミクストメディア　86.1×195.8cm　個人蔵

緻密で再現性の高い画風で知られる諏訪敦は、しばしば写実絵画のトップランナーと目されてきました。

しかしその作品を紐解いていくと彼は、「実在する対象を、目に映るとおりに写す」という膠着した写実のジャンル性から脱却し、認識の質を問い直す意欲的な取り組みをしていることが解ります。

諏訪は、亡き人の肖像や過去の歴史的な出来事など、不在の対象を描いた経験値が高い画家です。丹念な調査の実践と過剰ともいえる取材量が特徴で、画家としては珍しい制作スタイルといえるでしょう。彼は眼では捉えきれない題材に肉薄し、新たな視覚像として提示しています。

今回の展覧会では、終戦直後の満州で病死した祖母をテーマにしたプロジェクト《棄民》、コロナ禍のなかで取り組んだ静物画の探究、そして絵画制作を通した像主との関係の永続性を示す作品群を紹介します。

それらの作品からは、「視ること、そして現すこと」を問い続け、絵画制作における認識の意味を拡張しようとする画家の姿が立ち上がってきます。

展示構成

第1章　棄民

死を悟った父が残した手記を手がかりに、幾人もの協力者を得ながら現地取材にのぞみ、諏訪はかつて明かされてこなかった家族の歴史を知り、絵画化していきます。

敗戦直後、旧満州の日本人難民収容所で母と弟を失った、少年時代の父が見たものとは。

《father》1996年　パネルに油彩、テンペラ　122.6×200.0cm　佐藤美術館寄託

《HARBIN 1945 WINTER》 2015-16年　キャンバス、パネルに油彩　145.5×227.3cm　広島市現代美術館蔵

第2章　静物画について

《不在》2015年　キャンバス、パネルに油彩　32.5×45.3cm　個人蔵

《まるさんかくしかく》2020-22年　キャンバスに油彩　50.0×72.7cm　作家蔵

コロナ禍のさなか諏訪は、猿山修と森岡督行の3人で「藝術探検隊（仮）」というユニットを結成し、『芸術新潮』（2020年6月～8月号）誌上で静物画をテーマにした集中連載に取り組みました。静物画にまつわる歴史を遡行し制作された作品の数々。そこには、写実絵画の歴史を俯瞰した考察が込められています。

第3章　わたしたちはふたたびであう

《Solaris》 2017-21年　白亜地パネルに油彩　91.0×60.7cm　作家蔵

人間を描くとは如何なることか？絵画にできることは何か？

途切れることのない肖像画の依頼、着手を待つ制作途中の作品たち。ときには像主を死によって失うなど、忘れがたい人たちとの協働を繰り返してきた諏訪がたどり着いたのは「描き続ける限り、その人が立ち去ることはない」という確信にも似た感覚でした。

1999年から描き続けていた舞踏家・大野一雄は2010年に亡くなってしまいます。しかし、諏訪はさらに、気鋭のパフォーマー・川口隆夫の協力を得て亡き舞踏家の召喚を試み、異なる時間軸を生きた対象を写し描くことの意味を再検討します。

《Mimesis》2022年　キャンバス、パネルに油彩　259.0×162.0cm　作家蔵

展覧会タイトル「眼窩裏の火事」について

《目の中の火事》2020年　白亜地パネルに油彩　27.3×45.5cm　東屋蔵

ときに視野の中心が溶解する現象や、辺縁で脈打つ強烈な光に悩まされることが諏訪にはある。それは閃輝暗点という脳の血流に関係する症状で、一般的には光輪やギザギザした光り輝く歯車のようなものが視野にあらわれるという。したがってここに描かれているガラス器を歪め覆う靄のような光は現実には存在しない。しかしそれは画家が体験したビジョンに他ならない。

諏訪敦（すわあつし）画家

1967年北海道生まれ。

1994年に文化庁派遣芸術家在外研修員としてスペイン・マドリードに滞在。帰国後、舞踏家の大野一雄・慶人親子を描いたシリーズ作品を制作。制作にあたり、緻密なリサーチを行った上で対象を描くスタイルで、祖父母一家の満州引き揚げの足跡を辿った《棄民》シリーズなどを展開している。成山画廊、Kwai Fung Hin Art Gallery（香港）など、内外で発表を続けている。

2011年NHK『日曜美術館　記憶に辿り着く絵画〜亡き人を描く画家〜』で単独特集、2016年NHKETV特集『忘れられた人々の肖像〜画家・諏訪敦“満州難民”を描く〜』が放送された。2018年　武蔵野美術大学造形学部油絵学科教授に就任。画集に『どうせなにもみえない』『Blue』など。

（2020年11月16日大野一雄舞踏研究所にて川口隆夫を描く諏訪敦　撮影：野村佐紀子）

https://www.city.fuchu.tokyo.jp/art/tenrankai/kikakuten/2022_SUWA_Atsushi_exhibition.html

――――

諏訪敦「眼窩裏の火事」、府中市美術館、12月17日(土)〜2月26日(日)

祈り・藤原新也・・・旅の始まりには、いつも犬の遠吠えが聞こえる

大久保正雄『旅する哲学者、美への旅』第303回

秋の夕暮れ、紅葉の森を歩いて美術館に取材に行く。『地中海紀行　旅する哲学者　美への旅』の旅を思い出す。藤原新也の記者発表を聞く。

藤原新也78歳。50年の旅。メメント・モリ、メメント・ヴィータ、壮大な旅。

旅の始まりには、いつも犬の遠吠えが聞こえる。イスタンブール

「太陽があれば国家は不要。死体の灰には階級制度がない。ひとはみなあまねく照らされている。」「死人と女には花が似合います。この世はあの世である。天国がある。地獄がある。」笑って死ぬのは最高の生き方だ。「ニンゲンは犬に食われるほど自由だ。歩みつづけると、女は子供を孕むことがあります。歩みつづけると、男は自分の名前を忘れることがあります。極楽とは、苦と苦の間に一瞬垣間見えるもの。」

藤原新也の言葉には宗教書の響きがある。16歳まで門司、裕福な旅館の少年。ある日、破産、急に貧乏になった。1969年24歳、大学を中退、インド放浪。50年の壮大な旅。

*大久保 正雄『旅する哲学者　美への旅』より

大久保正雄『永遠を旅する哲学者　イデアへの旅』

――

母の愛犬、トイプードル、朝夕、吠えた。愛犬、病気になって咳をした。愛犬を抱いて病院に連れて行った。愛犬15年生きて私を守った。時がめぐり、愛犬、守護精霊となって帰ってきた。学問僧を守護するために。

流れ行く春の日も　流れ行く女も　寂光の菫に濡れて　流れ去る命の　ただひと時（西脇順三郎『近代の寓話』「プロサラミヨン」）

明日は恋なきものに恋あれ、明日は恋あるものにも恋あれ。（Ambarvalia「ヴィーナス祭の前晩」）

*大久保 正雄『旅する哲学者　美への旅』より

大久保正雄『永遠を旅する哲学者　イデアへの旅』

――

参考文献

藤原新也『祈り』2022

藤原新也『メメント・モリ』

藤原新也の旅、死を想(おも)え、生を想(おも)え。日曜美術館12月11日

https://www.nhk.jp/.../ts/3PGYQN55NP/episode/te/3GY122ZR78/

祈り・藤原新也・・・旅の始まりには、いつも犬の遠吠えが聞こえる

https://bit.ly/3V19RVO

――

帝釈天騎象像、七頭の獅子に坐る大日如来・・・守護精霊は降臨する

https://bit.ly/34JOIb2

理念を探求する精神・・・ギリシアの理想、知恵、勇気、節制、正義、美と復讐

https://bit.ly/3sIf3RW

――

1944年に福岡県門司市（現 北九州市）に生まれた藤原新也。東京藝術大学在学中に旅したインドを皮切りに、アジア各地を旅し、写真とエッセイによる『インド放浪』、『西蔵(チベット)放浪』、『逍遥游記(しょうようゆうき)』を発表します。1983年に出版された単行本『東京漂流』はベストセラーとなり、社会に衝撃を与えます。また同年に発表された『メメント・モリ』は、若者たちのバイブルとなりました。1989年には、アメリカを起点に西欧へと足をのばし、帰国後は自身の少年時代を過ごした門司港で撮影した『少年の港』をはじめ、日本にカメラを向けます。そして旅のはじまりから50年後、現代の殺伐を伝えるニュースを背に、大震災直後の東北を歩き、コロナで無人となった街に立って、これまでの道程と根幹に流れる人への思いを「祈り」というタイトルに込めます。そして藤原の見た、人が生き、やがて死へと向かうさまは、現在形の〈メメント・モリ（死を想え）〉へと昇華され、新たな姿でわたしたちの「いま」を照らします。

藤原の表現活動で特筆すべきは、写真、文筆、絵画、書とあらゆるメディアを縦横無尽に横断し、それぞれの領域において秀でた表現を獲得していることにあります。

本展は、祈りをキーワードに、初期作から最新作までの作品を一堂に展示して、藤原新也の多彩な仕事を立体的に展開します。

――

祈り・藤原新也 | 世田谷美術館 SETAGAYA ART MUSEUM

https://www.nhk.jp/p/nichibi/ts/3PGYQN55NP/episode/te/3GY122ZR78/
 2022年11月26日(土)–2023年1月29日(日)

2022年11月26日(土)–2023年1月29日(日)

岡本太郎・・・傷ましき腕、夜、太陽の塔、明日の神話

大久保正雄『旅する哲学者、美への旅』第302回

闇の中、刃をもって立つ少女、何に立ち向かうのか。何に反抗するのか。

岡本太郎、自己破壊の藝術家、自由奔放、破天荒、革命児。生きかたの根底にある源泉は何か。何と戦ったのか。赤い大きなリボンの女、刃を持って闇の中に立つ少女。シュールレアリスム、対極主義、呪術的縄文、太陽の塔。岡本太郎の活動資金はどう作られたのか。巧みなマスコミ戦略。「真剣に、命がけで遊べ」。

*大久保 正雄『旅する哲学者　美への旅』より

大久保正雄『永遠を旅する哲学者　イデアへの旅』

――

1、芸術家・岡本太郎の誕生

岡本太郎1911年（明治44年）2月26日 - 1996年（平成8年）1月7日）

太郎は、川崎市、大貫病院で、岡本一平、岡本かのこ、藝術家夫婦の子として生まれた。

岡本太郎は、19歳の冬、家族ともにとヨーロッパに渡った。1930年から10年間パリに滞在。最先端の藝術家、思想に触れ、「アブストラクト・クレアシオン」の運動に参加。

ピカソの作品『ゲルニカ』に衝撃を受け、前衛芸術家や思想家たちと交わり、自身も最先端の芸術運動に邁進する。パリ大学で哲学、民族学を学び、ジョルジュ・バタイユらと親交を深める。自身の基礎となる思想を深めた。1940年、帰国、兵役、復員。

岡本太郎《傷ましき腕》 1936／49年 川崎市岡本太郎美術館蔵

2、前衛美術芸術運動1947

岡本太郎は、東郷青児と二科会を牽引する。だが、太郎と東郷青児はやがて、軋み、別離する。日本美術界の変革を目指し、岡本太郎は花田清輝と「夜の会」1947を結成。抽象と具象など対立要素が生み出す「対極主義」を掲げ前衛運動を展開する。著書『今日の芸術』1954がベストセラーとなり文化人としても活躍する。

岡本太郎の活動資金はどう作られたのか。岡本太郎の広報戦略は巧みだった。

3、大衆の芸術、「芸術は大衆のもの」

太郎は、「芸術は大衆のもの」という信念のもと。芸術とは生活の中にあり、金持ちやエリートのものでなく、民衆のもの、社会のものだと考える。岡本太郎は、絵画を売らない主義で、生涯を貫いた。

「今日の芸術は、うまくあってはいけない。きれいであってはならない。ここちよくあってはならない」

彼の格言の通り、作品から発散する不気味な熱。すべてを生命体として描く彼の表現は、彼自身の猛烈な生き様を表現する。

3、魅了される呪術的世界観、縄文土器1951

岡本太郎は、前衛芸術を推進する一方、日本文化に目を向けた。1951年に出会った縄文式土器、日本各地に残る神事など現地調査を実施し考察。民族学から日本文化の新しい価値を提唱する。この知識と見聞が《太陽の塔》へと繋がってゆく。

岡本太郎《イザイホー》 (沖縄県久高島) 1966年12月26‐27日撮影 川崎市岡本太郎美術館蔵

岡本太郎《縄文土器》 1956年3月5日撮影 (東京国立博物館) 川崎市岡本太郎美術館蔵

4、二つの太陽　太陽の塔1970《明日の神話》1968

1970年の大阪万博。そのテーマ館として太郎が手掛けた《太陽の塔》は、生命の根源的エネルギーの象徴。これと並行して描かれた作品、現在渋谷駅に設置されている巨大壁画《明日の神話》。太郎が残したドローイングと資料が示す世界観。

生命の根源としての太陽の塔。原子爆弾の破壊力とそれを超える人類の希望。

5、岡本太郎、病と戦い、84歳で死す

パーキンソン病と戦い、手の震えと闘いながらも最後の最後まで絵を描いた。パーキンソン病。パーキンソン病は、脳内のドーパミンという物質が作られなくなる病気。それにより、体に不具合が発症。主な症状は小刻み歩行や指先のふるえ、症状が進んでいく。

1996年（平成8年）1月7日、慶應義塾大学病院にて死去。

*大久保 正雄『旅する哲学者　美への旅』より

大久保正雄『永遠を旅する哲学者　イデアへの旅』

――

参考文献

「展覧会 岡本太郎」図録2022

「世田谷時代1946-1954の岡本太郎、戦後復興期の再出発と同時代人たちとの交流」世田谷美術館、2007

岡本太郎・・・傷ましき腕、夜、太陽の塔、明日の神話

https://bit.ly/3WoOkHT

――

展示作品の一部

岡本太郎《森の掟》1950年 川崎市岡本太郎美術館蔵、岡本太郎《夜》1947年 川崎市岡本太郎美術館蔵《光る彫刻》 1967年 川崎市岡本太郎美術館蔵、《犬の植木鉢》 1955年 川崎市岡本太郎美術館蔵岡本太郎《太陽の塔》 1970年 (万博記念公園) 、岡本太郎《明日の神話》 1968年 川崎市岡本太郎美術館蔵、

著書『今日の芸術』、岡本太郎《イザイホー》 (沖縄県久高島) 1966年12月26‐27日撮影 川崎市岡本太郎美術館蔵、岡本太郎《縄文土器》 1956年3月5日撮影 (東京国立博物館) 川崎市岡本太郎美術館蔵

岡本太郎《太陽の塔》 1970年 (万博記念公園)

岡本太郎《明日の神話》 1968年 川崎市岡本太郎美術館蔵

――

絵画、立体、パブリックアートから生活用品まで、強烈なインパクトのある作品を次々と生み出し、日本万国博覧会（大阪万博）の核となる「太陽の塔」をプロデュースし、晩年は「芸術は爆発だ！」の流行語とともにお茶の間の人気者にもなった岡本太郎。彼は、戦後日本の芸術家としてもっとも高い人気と知名度を誇るひとりでありながら、あまりに多岐にわたる仕事ぶりから、その全貌を捉えることが難しい存在でもありました。「何が本職なのか？」と聞かれ、彼はこう答えます。「人間――全存在として猛烈に生きる人間」。18歳で渡ったパリの青春時代から、戦後、前衛芸術運動をけん引した壮年期の作品群、民族学的視点から失われつつある土着的な風景を求めた足跡や、大衆に向けた芸術精神の発信の数々、さらにアトリエで人知れず描き進めた晩年の絵画群まで――。本展は、常に未知なるものに向かって果敢に挑み続けた岡本太郎の人生の全貌を紹介する、過去最大規模の回顧展です。

https://www.tobikan.jp/exhibition/2022_tarookamoto.html

――

展覧会 岡本太郎、 東京都美術館

10月18日(火)～12月28日 (水)

鉄道と美術の150年・・・世界の果てへの旅

大久保正雄『旅する哲学者　美への旅』301回

【人生の舞台、16の性格】外交官グループ、提唱者、仲介者、主唱者、広報運動家。番人グループ、管理者、擁護者、幹部、領事官。探検家グループ、巨匠、冒険家、起業家、エンターテイナー。分析家グループ、建築家、論理学者、指揮官、討論者。自分の必殺技どう披露するか。

19世紀後半、ニーチェは、鉄道で旅した。教職を退き、旅行者として生き抜いた日々、転地療養、温泉旅行、サン＝モリッツ、ジェノヴァ、ニース、シルス・マリア、永劫回帰の思想を思いついた地。ニーチェ(1844-1900)は、1881年、病気療養に訪れたスイスのシルス・マリア。シルヴァプラナ湖畔を散策中に巨大な尖った三角岩のほとりで「永劫回帰」の思想が、突然襲来した。永劫回帰ewig wiederkehrenの思想は、『ツァラトゥストラ、かく語りき』(1883-85)においてはじめて提唱された。「時間は無限であり、物質は有限である」「無限の時間の中で有限の物質を組み合わせたものが世界である」、過去に在ったことは、未来に存在する。永劫に回帰する世界。

マルクス最後の旅。マルクス(1818-1883)は、パリからマルセイユまで鉄道の旅、アルジェまで船旅。若い女性との邂逅。夢のなかで去来するさまざまな過去の記憶。亡くなった妻の事。モンテカルロでは賭博に明け暮れる富豪たち。『資本論』続編。

グランドツアーで、ヨーロッパ人は、イタリア、ギリシア、地中海、エジプトへと旅した。異郷の地の思い出をロマン主義の夢で表現する。

リルケ(1875-1926)は、アドリア海に臨む孤城ドゥイノの館に滞在し、イタリア、エジプト、スペインを旅し『ドゥイノの悲歌』(1923)『オルフォイスへのソネット』(1923)を書いた。

マルクス『資本論』第三巻。労働者を搾取して、彼らが生み出した価値の一部をかすめ取る。利益率を上げようとすれば、搾取率を上げる。マルクスは『資本論』第三巻で、金融（信用）制度の発展は「資本主義的生産の動力ばね」であると同時に、「他人の労働の搾取による致富を、もっとも純粋かつ巨大な賭博とペテンの制度にまで発展させる。金融には「両刃の剣」としての性格があるからこそ、金融の発展が暴走しないように、公正なルールと規制が絶対に必要になる。「マルクス信用論、恐慌論の出番」2008年11月7日(金)「しんぶん赤旗」

*大久保 正雄『旅する哲学者　美への旅』より

大久保正雄『永遠を旅する哲学者　イデアへの旅』

――

参考文献

孤高の画家、フリードリヒ、ロマン主義、生涯と藝術

https://bit.ly/3boAtyL

孤高の画家、フリードリヒ、精神の旅、地の果て、崇高な自然と精神

https://bit.ly/3PfKgGd

ロマン主義の愛と苦悩・・・ロマン派から象徴派、美は乱調にあり

https://bit.ly/3O4fq3d

ツァラトゥストラ、シルヴァプラナ湖、永劫回帰の思想

ニーチェの旅　永劫回帰　美への旅

https://t.co/KUcrYNFAdy

大久保正雄「旅する哲学者　美への旅」第71回ニーチェの旅P8-11

地中海 四千年のものがたり・・・藝術家たちの地中海への旅

https://bit.ly/2ELRoci

岡村民夫『旅するニーチェ―リゾートの哲学』白水社、2004

サン＝モリッツ、ジェノヴァ、ニース。ニーチェが旅行者として生き、もっとも多産に著作した十年間。アフォリズム・スタイルを生んだ「歩行する思想」のノマディスムを解明する。教職を退き、当時生まれつつあったリゾート地を経巡り、ひたすら旅行者として生き抜いた日々は、ニーチェの著作活動の中で、もっとも多産な10年間だった。以後、舞踏のようなアフォリズムのスタイルを生んだ「移動し歩行する思想」のノマディスムを本書は解明する。

目次

第１章　ドイツ帝国からの逃走（ニーチェはドイツ人か；治療としての亡命　ほか）

第２章　リゾートのノマド（リゾートへの列車；リゾートの身体　ほか）

第３章　足の思想（マイナー文学；足で書く　ほか）

第４章　ニーチェを探して（ジェノヴァ；ヴェネツィア　ほか）

第５章　新しい健康へ（大いなる健康；病者の光学　ほか）

ハンス・ユルゲン・クリスマンスキ 『マルクス最後の旅』2016

エンゲルスが闇に葬った『資本論』の核心とは。『資本論』の続巻を構想しつつ最後の旅に赴いたマルクス。残された膨大なメモや記録、史実の中からマルクスの旅を再現し、ドイツの社会学の泰斗が描く、大胆な仮説。著者はマルクスの足跡を順次、マルクス自身の手紙をもとに丹念に追っていく。パリからマルセイユまでの鉄道の旅、アルジェまでの船旅。その途上での若い女性との邂逅。夢のなかで去来するさまざまな過去の記憶。亡くなった妻のこと。モンテカルロでは賭博に明け暮れる富豪たちを目の当たりにし、誘われるがままにカードゲームにも参加。その体験の分析から、やがてカジノ資本主義の対処法の考察へと移って行く。マルクスが己の死を予感しながらもその視線の先に見据えていたものに思いを馳せてみてはいかがだろう。(「訳者あとがき」より抜粋)

鉄道と美術の150年・・・世界の果てへの旅

https://bit.ly/3Hll8Nu

――

展示作品の一部

河鍋暁斎『地獄極楽めぐり図』より「極楽行きの汽車」1872年、静嘉堂文庫美術館

不染鉄『山海図絵(伊豆の追憶)』1925、木下美術館

長谷川利行『汽罐車庫』1928、鉄道博物館

木村荘八『新宿駅』1938

稗田一穂『時雨海岸』1982愛知県美術館

――

鉄道150年の歴史を、美術とともにたどる旅。

今年150周年を迎える日本の鉄道は、明治５（1872）年に新橋―横浜間で開業しました。奇しくも「美術」という語が初めて登場したのも明治5年のことです。（＊）鉄道と美術は、日本の近代化の流れに寄り添い、また時にはそのうねりに翻弄されながら、150年の時を歩み続けてきました。

この展覧会では、鉄道と美術150年の様相を、鉄道史や美術史はもちろんのこと、政治、社会、戦争、風俗など、さまざまな視点から読み解き、両者の関係を明らかにしていきます。

日本全国約40カ所から集めた、「鉄道美術」の名作、話題作、問題作約150件が一堂にそろう、東京ステーションギャラリー渾身の展覧会です。（＊）それまでは「書画」などと呼ばれていました。北澤憲昭『眼の神殿』（美術出版社、1989年

【東京ステーションギャラリー】

https://www.ejrcf.or.jp/gallery

――

鉄道と美術の150年、東京ステーションギャラリー、年10月8日(土) - 2023年1月9日(月・祝)

ピカソとその時代・・・藝術の探検家、7人の恋人、7つの時代

大久保正雄『旅する哲学者　美への旅』294回

青春の日、スペインの灼熱の大地の旅を思い出す。ソフィア王妃芸術センターで「ゲルニカ」1937、プラド美術館でヒエロニムス・ボス『快楽の園』、ベラスケス「ラス・メニーナス」、ティッセンボルネミサ美術館でエル・グレコ展、トレドで「オルガス伯の埋葬」。

パプロ・ピカソ、1881年 - 1973年）92歳で死す。7人の恋人、7つの時代。類稀な才能を開花、4万5千点の作品を残す。藝術の探検隊である。才能によってこの世に成功することは極めて困難であるが、ピカソは才能によって成功を遂げた稀有な例である。

【トマ・ピケティ『21世紀の資本』】「資本主義の富の不均衡は放置しておいても解決できず、格差は広がる。格差の解消のために、なんらかの干渉を必要とする」。その根拠が「r>g」という不等式。「r」は資本収益率を示し「g」は経済成長率を示す。富の蓄積は労働成果より大きい。

【人生の舞台、探検隊】16の性格、外交官グループ、提唱者、仲介者、主唱者、広報運動家。番人グループ、管理者、擁護者、幹部、領事官。探検隊グループ、巨匠、冒険家、起業家、エンターテイナー。分析家グループ、建築家、論理学者、指揮官、討論者。人生という舞台、自分の必殺技をどう披露するか。特性、強み弱み、どう発揮するか。織田信長は、明晰透徹な指揮官、武の七徳を探求する。

【無能が支配する国、腐敗の帝国】組織における地位は能力を表さない。何も生み出さない、知恵もない、ただの番人が管理階級、搾取階級として君臨する。

*大久保 正雄『旅する哲学者　美への旅』より

大久保正雄『永遠を旅する哲学者　イデアへの旅』

――

■ピカソ、生涯と藝術、7人の女。7つの時代

（Pablo Ruiz Picasso, 1881年10月25日 - 1973年4月8日）92歳で死す。

スペイン・マラガで生まれた。

1881年 ピカソ誕生。ピカソの母は言う「言葉を覚えるより先に絵を描いていた」。「石膏トルソの習作」（1892）

1900年、19歳のピカソはパリへ 向かう

　しかし芸術の都は甘くなく、思うように絵は売れなかった。ある日、ともにパリにきた友人が自殺。絶望の淵で、それでも筆を握り続けたピカソは苦難の果てにあの色にたどり着く。「自画像」（1901）

ばら色の時代

絵画の革新者の誕生。描く対象をバラバラに分解し、その存在感が引き立つように組み合わせた。「キュビスム」の時代。「アヴィニョンの娘たち」(1907）

新古典主義の時代。40代ギリシア彫刻などに出会い、伸びやかな命があふれる作風が開花する。

第１次世界対戦後 束の間の平穏な時代を反映するかのような光景

同じ画家とは思えないほど極端なまでに変貌を遂げるピカソ

「私は一枚の絵を描く。それからそれを破壊する。一枚の絵は破壊の集積である しかし何も失われはしないんだ」

1937年　ゲルニカへの無差別爆撃。スペイン北部の町ゲルニカをナチスドイツが無差別爆撃。ナチスと手を結んだフランコがドイツ軍に要請した。

1，【 青の時代 】 (1901-1904年）ジャウメ･サバルテスの肖像 （1904）

2，【 ばら色の時代 】(1904-1906年） 座る道化師 （1905）

3，【 アフリカ彫刻の時代 】 (1907-1909年）裸婦 ≪アヴィニョンの娘たち≫の習作 （1907）ピカソ「アヴィニョンの娘たち」(1907）

4，【 キュビスムの時代 】 （1909-1912年）ピアノの上の静物 （1911-12）

5，【 新古典主義の時代 】 1917年2月-1925年、ピカソはイタリアを初めて旅行。足を拭く座る裸婦 （1921）

6，【 シュルレアリスムの時代 】1925〜1937年、 黄色いセーター （1939）

1925年にアンドレ・ブルトンは、シュルレアリスム機関誌『シュルレアリスム革命』においてピカソをシュルレアリストとする記事を書き、また《アヴィニョンの娘たち》がヨーロッパで初めて同じ号に掲載された。

【《ゲルニカ》】「ゲルニカ」（1937）第5の恋人ドラ・マールと「泣く女」（1937）

ピカソ【第6の恋人、フランソワーズ・ジロ】1944年、パリが解放されたときピカソは63歳で、若い女子美大生フランソワーズ・ジローと恋愛関係に入る。彼女はピカソよりも40歳年下。パロマを出産後、体調を壊したフランソワーズに対してピカソは「女は子供を産むと魅力を増すものなのに、なんたるざまだ」「怒るか泣くかしてみろ」「私に発見された恩を返せ」「私のような男を捨てる女はいない」ピカソは、激怒した。

7，【ピカソの晩年、ヴォヴナルグ城】1958-1973

【最晩年】1953年、ピカソの虐待に耐え切れなくなったジロは子どもを連れてパリに帰り、画家として自立への道を歩み始める。２年後、彼女が画家のリュック・シモンと結婚。

1953年から【第7の恋人、ジャクリーヌ・ロック】

【ピカソの死】パブロ・ピカソは1973年4月8日、フランスのムージャンで死去。92歳。エクス・アン・プロヴァンス近郊のヴォヴナルグ城に埋葬された。

ヴォヴナルグ城は1958にピカソが購入して、59年からジャクリーヌ・ロックと一時的に住んでいた城。ピカソの膨大な作品がここに保管された。何百のピカソ作品と蔵書などがこの城に移され、城はさながらピカソの個人美術館のようなていをなした。

ジャクリーヌ・ロックはピカソの子どものクロードやパロマの葬儀への出席を断った。ピカソの死後、ジャクリーヌ・ロックは、精神的な荒廃と孤独に蝕まれ、1986年に59歳のとき銃で自殺した。

――

展示作品の一部

パブロ・ピカソ≪アヴィニョンの娘たち≫の習作 （1907）

パブロ・ピカソ 《緑色のマニキュアをつけたドラ・マール》、1936 年 油彩、カンヴァス 65 x 54 cm、ベルリン国立ベルクグリューン美術館

パブロ・ピカソ《座るアルルカン》日本初公開1905年 水彩・黒インク、厚紙 57.2 x 41.2cmベルリン国立ベルクグリューン美術館

パブロ・ピカソ《窓辺の静物、サン=ラファエル》日本初公開1919 年 グアッシュ・鉛筆、紙 35.5 x 25cmベルリン国立ベルクグリューン美術館

パブロ・ピカソ《丘の上の集落（オルタ・デ・エブロ）》1909年 油彩、カンヴァス 65.1 x 81.3cm

パウル・クレー《中国の磁器》日本初公開1923年 水彩・グアッシュ・ペン・インク、石膏ボード、合板の額 28.6 x 36.8cm　ベルリン国立ベルクグリューン美術館

アンリ・マティス《雑誌『ヴェルヴ』第4巻13号の表紙図案》日本初公開、1943年 切り紙、カンヴァスに貼り付け 38.1 x 56.8cm　ベルリン国立ベルクグリューン美術館、ベルクグリューン家より寄託

アルベルト・ジャコメッティ《広場Ⅱ》日本初公開1948-49年 ブロンズ 23 x 63.5 x 43.5cm　ベルリン国立ベルクグリューン美術館

――

■ピカソが愛した７人の女、作品に与え続けた影響

現代美術の大きな柱であるピカソは女性からインスピレーションを得たせいか、彼の作品数は4万5000点、絵画1885点、彫刻1228点、陶器2280点、スケッチ4659点と 3万点に及ぶ版画作品などを手がけた。

第1の恋

人、フェルナンドゥオリヴィエ Fernande Olivier

第2の恋人、エヴァ・グエルEva Gouel

第3の恋人、オルガ・クルロバOlga Kokhlov

第4の恋人、マリー・テレーズ・ヴァルターMarie Therese Walter

第5の恋人、ドラ・マールDora Maar

　1936年（55歳）ピカソが「ファシズムの狂気との戦いの時代」 彼女はピカソの「ゲルニカ」の時代を一緒にしており、この作品の制作過程全体を写真で記録した。 憂鬱な2次世界大戦の時期を一緒にした乾燥したピカソの作品で主に「泣く女」に登場する。

第6の恋人、フランソワーズ・ジロFrançoiseGilot

　第二次世界大戦中に出会った彼女は非常に若くて美しい女流画家である。ピカソが六十三歳の時、1945年から一緒に暮らすが、このとき、彼女は二十歳。完璧主義者であり、独占浴が強かったフランソワーズは、息子クロードと娘パロマを生む。ピカソは自分の子供を素材にして魅惑的で躍動感あふれる肖像画を残した。

第7の恋人、1953年、72歳で出会ったジャクリーヌ・ロックJacqueline Roque

　ピカソの末期の作品は、外在的にも暗黙的に性愛が目立つ。このときピカソが陶芸と「古典的な作家の再解釈」に傾倒した時期。ピカソが作品に専念できるように内助してくれた最後の女性ジャクリーヌ・ロックは、ピカソが72歳になった年に会った女性。彼女は前の夫との間に娘がいる離婚女性、ピカソと8年間同棲した後、結婚した。

これまで無私なピカソの複雑な財産の問題を処理した。1986年10月15日ピカソの生誕105年を十日前に彼女はピカソの墓の前で自ら命を絶った。

参考文献＊

――

★参考文献

「ピカソ展−からだとエロス　変貌の時代　1925〜1937年」東京都現代美術館、2004

新古典主義に続く1925年から第二次世界大戦前夜の1937年までの作品160点で構成。シュルレアリストと交流した時代の様々な身体表現を、パリ･国立ピカソ美術館が所蔵する作品を中心に紹介。数多くの女性を愛したピカソの、奔放で力強い作品の数々を十二分に堪能できるまたとない機会といえます。

「巨匠ピカソ　魂のポートレート」展、サントリー美術館、2008

「巨匠ピカソ 愛と創造の軌跡」展、国立新美術館、2008

「ルートヴィヒ美術館展」ドイツ表現主義からロシア・アヴァンギャルド、抽象絵画まで。国立新美術館2022

「イスラエル博物館所蔵ピカソ ― ひらめきの原点 ―」パナソニック汐留美術館、2022

シュールレアリスムの夢と美女、藝術家と運命の女・・・デ・キリコ、ダリ、ポール・デルヴォー

https://bit.ly/2vikIlL

ピカソとその時代・・・藝術の探検家、7人の恋人、7つの時代

https://bit.ly/3D8mYir

――

パブロ・ピカソが愛した７人の女性、作品に与え続けた大きな影響

https://matome.eternalcollegest.com/post-2146640490474122401

ピカソが最も恐れた画家「ジョルジョ・デ・キリコ」の不思議な絵

https://matome.eternalcollegest.com/post-2138324132769724701

――

ピカソとその時代　ベルリン国立ベルクグリューン・コレクション美術館展、国立西洋美術館、10月8日（土）～2023年1月22日（日）

https://www.nmwa.go.jp/jp/exhibitions/2022picasso.html